بررسی ویلم دی کونینگ - شورش مادام العمر هنرمند علیه خودش برای تماشا هیجان انگیز است
Rijksmuseum، آمستردام به مناسبت یک قرن از زمان اقامت این هنرمند هلندی در نیویورک، این گذشته‌نگر وسیع به‌طور باشکوهی مرزهای شدید اکسپرسیونیست انتزاعی را به نمایش می‌گذارد ویلم دی کونینگ آخرین هنرمند بزرگی بود که واقعاً می‌دانست چگونه طراحی کند. به‌طور دقیق‌تر، اگر کمتر تحریک‌کننده باشد، او آخرین نقاش واقعاً دگرگون‌کننده‌ای بود که در سنت آکادمیک آموزش دیده بود که چیزی را تولید می‌کند که هنوز توسط اک
این نمایشگاه با تحقیق درخشان، مورد قانع کننده ای برای موفقیت آن آموزش است. قرار دادن تعداد انگشت شماری از نقاشی‌های برجسته در میان مجموعه وسیع‌تری از طراحی‌ها، شورش مادام‌العمر هنرمند علیه قوانین را به‌طور کامل درونی‌شده نشان می‌دهد که می‌تواند به شدت به محدودیت‌های آنها فشار بیاورد بدون اینکه کاملاً آنها را زیر پا بگذارد. نبرد برای تماشای هیجان انگیز است.
آموزش تکوینی دی کونینگ در طراحی اولیه رقصنده جولیت براونر و پرتره فوق‌العاده ماهرانه همسر هنرمند، الین، آشکار است. تأثیر انگرس - پله طراحی آکادمیک - بر این آثار اغلب مورد توجه قرار گرفته است، به ویژه توسط نقاشان رقیب نیویورکی که طراحی برتر دی کونینگ برای آنها منبع سوء ظن (بیش از حد تند، بیش از حد اروپایی) بود. و به نظر می‌رسد که هنرمند مهاجر خود را تحت فشار قرار داده است تا قراردادهای زیبایی‌شناختی دنیای قدیم را باز کند و آنها را به چیزی مناسب‌تر با جدید تبدیل کند: بی‌احترامی، آزاد، بی‌واسطه، رسا.
توجه به این نکته مهم است که تحصیلات دی کونینگ به آکادمی محدود نمی شد. یک بچه طبقه کارگر، کلاس های عصر او توسط شرکت طراحی که در آن روز کار می کرد یارانه پرداخت می کرد. پس از رفتن به ایالات متحده در 22 سالگی، او به عنوان یک نقاش نشانه و تصویرگر تجاری امرار معاش کرد. این درس‌ها راه خود را به هنر او باز کردند و دشواری ترکیب آنها ممکن است مبارزات اوایل کار او را توضیح دهد (او تا نزدیک به ۴۴ سالگی نمایش انفرادی نداشت) و انقلابی بودنپیشرفت زمانی بود که رسید.
مرکز آن دستاورد این بود که او هیچ تمایزی بین طراحی و نقاشی قائل نشد (به عبارت ساده، سنت این است که خطوط کلی را بکشید و فضای بین آنها را نقاشی کنید). در ملکه قلب ها، که منادی زنان آینده است، چوب های زغال چوب را روی رنگ خیس می کشد تا لبه های نرمی ایجاد کند و مانند یک نقاش خانه روی لایه ها رنگ می کند. انفجار بزرگ در اثر اصلی روی کاغذ که در سال 1949 تکمیل شد، ترتیبی از جرقه های سفید در برابر یک زمین سیاه می رسد که دنباله دارهایی را به یاد می آورد که در آسمان شب می رقصند. اما دی کونینگ یک عارف پر ستاره نبود: در لبه پایینی که آن جرقه های سفید را به فواره های مایع تبدیل می کند، یک خروس خراشیده و توپ وجود دارد.
حفاری، یک شاهکار حذفی، نیز در ابتدا به عنوان یک الگوی انتزاعی از اشکال در هم تنیده ظاهر می شود تا خود را به عنوان گردابی از صورت های جیغ و اعضای بدن متلاشی شده نشان دهد. این اثر که در سال 1950 تکمیل شد، هم گورهای دسته جمعی اروپا را به تصویر می‌کشد و هم نشاط هیجان‌انگیزی از اجساد که در یکدیگر حل می‌شوند. سکس و مرگ، بهشت و جهنم، پایان دنیای قدیم و تولد جدید. در یکی از بسیاری از ترتیبات هوشمندانه، حفاری با طرحی از چهار سال قبل، یعنی روز داوری با عنوان مناسب، همراه شده است.
این یکی از ویژگی‌های عجیب این نمایشگاه است که معروف‌ترین نقاشی آن، زن اول، در گالری جداگانه‌ای که معمولاً برای گنجینه‌های موزه از دوران طلایی هلند نگهداری می‌شود، آویزان است. این نماد نه تنها در برابر ورمیر و رامبراند ایستاده است،اما او همچنین به طور غیر منتظره در خانه است. این اتهام که این شخصیت کارتونی، کاریزماتیک و وحشی با "هیولایی" خود تمام زنان را بدنام می کند، در اولین نمایش رسوایی به نظر می رسد اکنون بر برخی فرضیات اواسط قرن در مورد نحوه نمایش زنان تکیه دارد. هر چه در مورد Woman I فکر کنید، هرگز نمی توان او را با یک شیء جنسی مطیع یا یک همسر استپفورد اشتباه گرفت.
حملات بی امان دی کونینگ به کنوانسیون، یعنی به خودش و هر چیز دیگر، تلفات خود را گرفت. مجموعه ای از آثار سیاه و سفید، ساخته شده در رم در اواخر دهه 1950، پایان دوره امپراتوری او را نشان می دهد. در حالی که این نشانه های گرافیکی خوشنویسی مبهم نکته ای را در مورد همگرایی نقاشی و طراحی نشان می دهد، آنها به نظر من بداخلاقی و مشتق از فرانتس کلاین هستند. از اینجا، این نمایشگاه برای براندازی خرد متعارفی که دی کونینگ در طول دو دهه بعد برای رسیدن به همان ارتفاعات تلاش کرد، کار چندانی نمی کند. برجسته‌ترین آنها – به‌ویژه کالبدهای سرکوب‌ناپذیر Clam Diggers، پرتره‌ای گیج‌کننده از دو زن ایستاده در آب کم عمق با رنگ‌های بستنی و بافت‌های کره‌ای، و یک تابلوی گوشتی فوق‌العاده مربوط به اواسط دهه ۷۰ که هدیه‌ای که گهگاه نادیده گرفته شده نقاش را به عنوان یک رنگ‌شناس تبلیغ می‌کند. اگر نقاشی‌ها ضربه بخورند و از دست بروند، نقاشی‌های این دوره نشان می‌دهند که، حتی اگر به دلیل اعتیاد به الکل و زندگی شخصی پر هرج و مرج مانع شده باشد، دی کونینگ همیشه می‌تواند بر خط خود تکیه کند.
آن خط تا انتها ادامه دارد. این نمایش با یک نقاشی حیرت انگیز مربوط به سال 1985، در دوره ای کهزوال شناختی دی کونینگ به طور فزاینده ای آشکار بود. خطوط سینوسی آبی و سیاه بر روی یک زمین سفید خالدار منحنی می‌شوند و الگویی از بدن و در عین حال خالی از میل می‌بافند. آرام، عجیب و بی‌درنگ زیبا است، گویی همه چیزهایی که هنرمند تلاش کرده تا در آثارش بچسبد در اصول اولیه خلاصه شده است. او بازگشته است تا دنیا را به شکلی دلپذیر بسازد. تفاوت در این است که دیگر یک دیگ بخار به ارث رسیده از سنت کلاسیک نیست، بلکه بر اساس تجربیات او و کاملاً متعلق به او شکل گرفته است. او نیازی به فکر کردن در مورد آن ندارد. نبرد تمام شده است.
ویلم دی کونینگ در محل کار از 9 اکتبر تا 17 ژانویه در Rijksmuseum، آمستردام است.