"چه چیزی را می توان کشف کرد؟ چه چیز جدیدی در آنجا وجود دارد؟: نمایشگاه پرفروش، روی لیختنشتاین را جشن می گیرد

این هنرمند پاپ که اغلب مورد انتقاد قرار می‌گیرد، کانون یک نظرسنجی جدید است که شامل قطعات کمتر دیده شده و بازسازی‌های جاه‌طلبانه جدید در موزه ویتنی نیویورک است. اما در حالی که گلدوزی‌هایی که فتح نورمن‌ها را به تصویر می‌کشند پس از نزدیک به 1000 سال همچنان لذت بخش است، نقاشی دیواری لیختنشتاین پس از شش سال از بین رفت.

هنگامی که هنرمند آمریکایی روی لیختنشتاین در سال 1983 نقاشی دیواری خیابان گرین را خلق کرد، از ملیله بایو برای تکنیک داستان سرایی آن الهام گرفت. اما در حالی که گلدوزی‌هایی که فتح نورمن‌ها را به تصویر می‌کشند پس از نزدیک به 1000 سال همچنان لذت‌بخش هستند، نقاشی دیواری مخصوص سایت لیختنشتاین پس از شش هفته مطابق با میل وی تخریب شد.

با این حال، بیش از چهار دهه بعد، نقاشی دیواری عظیم خیابان گرین قرار است یک بار دیگر عاشقان هنر را مجذوب خود کند. این هفته یک بازآفرینی 96 فوتی (29 متری) از این اثر، کل ورودی روی لیختنشتاین را در بر می گیرد: مانند نیو، اولین نمایش گذشته بزرگ نیویورک از آثار این هنرمند پاپ در 33 سال گذشته، در موزه هنر آمریکایی ویتنی.

این نمایشگاه دارای بیش از 130 اثر است که شش دهه را در بر می گیرد، از مطالعات اوایل دهه 1940 تا بوم های ناتمامی که لیختنشتاین در زمان مرگش در سال 1997 در استودیوی خود به جا گذاشت. ارتباط موزه با لیختن اشتاین به سال 1965 باز می گردد، زمانی که آثار او برای اولین بار در نمایشگاه سالانه ویتنی به نمایش گذاشته شد.

این بیوه هنرمند، دوروتی بود که از جفت کردن یک متصدی داخلی، مگ اونلی، با یک هنرمند فعال معاصر، دا کورته، دفاع کرد تا یک گذشته نگر معاصر را تصور کند که فراتر از یک نظرسنجی معمولی صرف نوآوری کند.

دا کورته که به خاطر نصب های همهجانبه اش که رسانه های بصری و فرهنگ مصرف کننده را نقد می کند، شناخته شده بود، علاقه ای طولانی به هنر پاپ داشت. او به یاد می آورد: "از خود می پرسی، نظرت درباره هنرمندی که همه جا حاضر است مانند روی چیست؟شکاف؟ چه چیزی را می توان کشف کرد؟ چه چیز جدیدی در آنجا وجود دارد؟»

اگر عموم مردم لیختن اشتاین را عمدتاً به‌عنوان یک آیرونیست باحال که تصاویری از کمیک‌های عاشقانه و بسته‌بندی‌های آدامس برمی‌داشت، به یاد می‌آورند، Like New هنرمندی سخت‌گیرتر و پیچیده‌تر را به نمایش می‌گذارد. در قلب تز نمایشگاه، وسواس مادام العمر لیختنشتاین با یک مربی آکادمیک مبهم است: هویت شرمن، استاد دانشگاه ایالتی اوهایو.

لیختنشتاین در دهه 1940 زیر نظر شرمن تحصیل کرد و سپس به تدریس در کنار او بازگشت. لیختنشتاین در طول زندگی حرفه‌ای‌اش، تا زمان مرگش در سال 1997، مکرراً از شرمن به‌عنوان بزرگ‌ترین تأثیر خود نام می‌برد. با این حال، روش‌های آموزشی رادیکال شرمن در گذشته‌نگرهای قبلی موزه کمتر مورد توجه قرار گرفته بود.

برای درک مکانیک لیختنشتاین، اونلی و داکورته به آرشیو دانشگاه ایالتی اوهایو سفر کردند تا برنامه درسی و تجربیات روانشناختی شرمن را بررسی کنند.

شرمن در زمینه اپتیک و ادراک بصری پیشگام بود و محیط های آزمایشگاهی تخصصی موسوم به "آزمایشگاه های فلش" را ساخت. در این کلاس‌های تاریک، دستگاه‌های مکانیکی تصاویری از طبیعت‌های بی‌جان یا اشکال هندسی را برای کسری از ثانیه فلش می‌کنند. شرمن به دانش‌آموزان دستور داد تا آنچه را که در تاریکی کامل دیده‌اند ترسیم کنند و ذهن خود را برای پردازش فرم فضایی، روابط شکل-زمینی و حافظه بصری به‌جای متوالی، به‌صورت کلی‌نگرانه آموزش دهند.

داکورت توضیح می‌دهد: «روش‌های تدریس هویت شرمن غیرعادی بود و نباید نادیده گرفت. او یک دسته کامل از نظریه پردازان نوری را به کار گرفت که در آن کار می کردندآن زمان، کنجکاو در مورد اینکه ما چیزها را چگونه می بینیم - به ارسطو و [لئوناردو] داوینچی، و همچنین معاصران اوایل قرن بیستم باز می گردیم.»

این امر خروجی لیختنشتاین را در نور تازه ای نشان می دهد: او به جای کپی برداری ساده از رسانه های جمعی، در حال بررسی سوالات پیچیده اپتیک و ادراک از طریق تصاویر رایج بود. داکورت می‌گوید: «ما عادت کرده‌ایم که پاپ آن را ببینیم و آن را به همان شکلی که هست در نظر بگیریم – تشخیص دهیم که این یک تصویر مناسب است – و سپس نخواهیم معنایی فراتر از آن را کشف کنیم.

"اما روی در مورد یک عمل بسیار مفهومی صحبت کرد که برخاسته از آموزه های هویت شرمن در مورد اپتیک و ادراک است. چقدر کنجکاو هستید که شما 50 سال بارها و بارها از یک استاد استناد می کنید؟ باید بیش از آنچه به چشم می آید وجود داشته باشد."

این موضوع انتقاد مداومی را که لیختنشتاین در طول زندگی حرفه‌ای‌اش مطرح کرده بود، به چالش می‌کشد: اتهامات سرقت ادبی، کپی بدون اعتبار و تصاحب تنبل. در طول اوج هنر پاپ در دهه 1960، منتقدان مکرراً این سؤال را مطرح کردند که آیا عملکرد لیختن اشتاین به منزله هنر زیبا مشروع است یا سرقت تجاری. مجله Life در سال 1964 مقاله ای منتشر کرد که در آن می پرسد: "آیا او بدترین هنرمند ایالات متحده است؟"

برای اونلی و داکورته، این نقدها محدود هستند و اساساً عملکرد لیختنشتاین را اشتباه می‌دانند. در Like New، بازدیدکنندگان می‌توانند کتاب‌های طرح اصلی، بریده‌های منبع و نقاشی‌های اولیه را در کنار تابلوهای کتاب کمیک توسط تصویرگرانی مانند تونی آبروزو و ویلیام اورگارد مطالعه کنند، و نشان می‌دهد که لیختن‌اشتاین به جای اینکه چند بار دوباره کار کرده است.به سادگی منابع خود را بازتولید کرد. او کامپوزیت های بصری پیچیده ای ایجاد کرد، وزن های خط را دوباره مهندسی کرد، ترکیب بندی ها را برش داد و زمینه های رنگی را تغییر داد تا چشم بیننده را تحریک کند.

اونلی می‌گوید: «وقتی به گذشته نگاه می‌کنیم، نه تنها به او، بلکه به افرادی مانند وارهول نیز نقدهایی وارد شده است - تعداد کمی از هنرمندان پاپ که در دهه 1960 از تخصیص به عنوان یک استراتژی استفاده می‌کردند. انتقاداتی وجود داشت که لیختنشتاین چقدر می‌توانست تصاویرش را تغییر دهد.

«شما این فرصت را دارید که در این نمایشگاه، از طریق طرح‌ها و بریده‌های او، نقاشی‌های اصلی از هنرمندان کتاب مصور را ببینید. روی اغلب کامپوزیت می ساخت. بسیار تقلیل‌دهنده است که بگوییم او یک تصویر را مستقیماً از یک کتاب کمیک برداشته است. اغلب اوقات، بسیاری از منابع مختلف مستقیماً در یک ترکیب قرار می گرفتند.

اونلی خاطرنشان می کند که عادت استنادی لیختنشتاین در کل مسیر تاریخ هنر گسترش یافته است. مطالعات اولیه از سال 1942 نشان می‌دهد که او از نقاشی‌های تاریخی کپی می‌کند، عادتی که به مجموعه‌های اصلی ارجاع به کلیسای جامع روئن کلود مونه، چهره‌های کوبیست پابلو پیکاسو، فضای داخلی هانری ماتیس و شبکه‌های پیت موندریان تبدیل شد.

اونلی تاکید می کند: «همه ما که به هنرستان می رویم، آموزش خود را از طریق کپی کردن شروع می کنیم. هر فردی آموزش خود را با نگاه کردن به استادان بزرگ و ساختن ریف بر روی آن آغاز می کند. لیختن اشتاین در تمام دوران حرفه ای خود واقعاً با آن بازی می کند.

داکورت یک شباهت مستقیم بین تکنیک های لیختن اشتاین و چاپ سنتی یا تولید کمیک ترسیم می کند و خاطرنشان می کند کههنر تجسمی همیشه اساساً مشارکتی و تکراری بوده است.

"از دوره رنسانس یا قبل از آن، این ایده ردیابی و ساخت یک کارتون بخشی از تمرین هنری است. هر کسی که در کمیک کار می کند می داند که هیچ کس این کار را به تنهایی انجام نمی دهد؛ این یک فرآیند مشارکتی است. روش هایی که او در آن چیزها را تغییر می دهد تمرکز واقعی کار می شود. موضوع کار به این نیست که به نظر می رسد یا این است که چه چیزی در واقع تغییر کرده است یا چگونه از بین رفته است."

داکورت می افزاید که تنظیمات ظریف لیختنشتاین یک طنز آرام و شخصی را در کار گنجانده است. او می‌گوید: «هر نقاشی مستلزم تحلیل بیننده است. او در تصاویر آشنای خود، خود را با نوع طنزی که اگر دفتر خاطرات می‌نوشتید، در خود جای داده است.

«روشی که او با شی پیدا شده یا آماده درگیر می شود، بی شباهت به [مارسل] دوشان نیست، چیزی را می گیرد و کمی آن را تنظیم می کند. هم کاملاً پیش پا افتاده به نظر می رسد و هم تحریک می کند. روی یک مرد شوخ طبع بود، معروف به خنده‌دار بودن و عمیقاً دوست‌داشتنی، اما مردی بامزه.»

یکی از دیدنی‌ترین شاهکارهای کیوریتوری در Like New، بازسازی تاریخی اولین نمایشگاه برجسته لیختنشتاین در سال 1962 در گالری لئو کاستلی در خیابان 77 شرقی است، لحظه‌ای که به منادی ورود هنر پاپ کمک کرد. ویتنی یک فکس معماری از فضای گالری صمیمی کاستلی ساخته است که 15 درصد افزایش یافته است تا جمعیت موزه های معاصر را در خود جای دهد و در عین حال تأثیر آویز اصلی را حفظ کند.

دو تا ازنقاشی های این مجموعه بیش از 30 سال است که توسط مردم دیده نشده است. اونلی می‌گوید: "آنچه که شانس دیدن آن را دارید، جاه‌طلبی‌های لیختن‌اشتاین در اوایل کارش است. این نقاشی‌ها برای آن اتاق بسیار بزرگ هستند - این یک آویز معاصر نیست. ما عکس‌های تاریخی را مطالعه کردیم تا بفهمیم او چگونه این آثار را آویزان می‌کرد، سطح چشم‌ها چقدر بود."

متصدیان امیدوارند که مونتاژ مجدد نمایش کاستلی به بینندگان معاصر یادآوری کند که آنچه اکنون به نظر می رسد پذیرفته شده جهانی است، زمانی عمیقاً رادیکال و برای نهاد هنری خطرناک تلقی می شد.

اونلی خاطرنشان می کند: "این یک نمایش بسیار بحث برانگیز بود. بسیاری از مردم از آن متنفر بودند؛ برخی از مردم آن را دوست داشتند. زمانی که ایوان کارپ و لئو کاستلی آن نمایشگاه را اجرا کردند، مجموعه داران به گالری می گفتند: "اگر به نمایش آن اثر ادامه دهید، دیگر به اینجا نمی آییم؛ این یک نقاشی واقعی نیست، چیزی نیست که به نظر می رسد این انتخاب آسان است." ادامه دادن در مواجهه با انتقادات، ورود به چیزی عمیقاً مفهومی و به ظاهر ساده، جسارت زیادی لازم داشت.»

سوئیت 1962 آثاری مانند نگاه میکی (1961)، شاهکار (1962) و دختری با توپ (1961) را به نمایش می‌گذارد - بوم‌هایی که لیختنشتاین دستکش را به اکسپرسیونیسم انتزاعی انداخت و به جای اضطراب نقاشی با وضوح صاف و تجاری.

همچنین این اولین نمایش گذشته نگر لیختن اشتاین است که نقاشی های دیواری او را شامل می شود. نقاشی دیواری خیابان گرین ابتدا در سال 1983 برای فضای 142 خیابان گرین کاستلی درسوهو. لیختنشتاین مجموعه‌ای پر جنب و جوش از فرهنگ لغت هنری خود را به هم پیوند زد: نقطه‌های بن دی، عقربه‌های کارتونی، اهرام، جلد دفترچه‌های ترکیب‌بندی، صفحه‌های تاشو گرمسیری و ارجاع به پیکاسو و ماتیس.

اونلی می‌گوید: "ما در طول نمایش از جنبه‌هایی از طنز مرده لیختنشتاین استفاده کردیم. وقتی لئو کاستلی در سال 1983 در ابتدا از او خواست برای فضای خیابان گرین نقاشی کند، روی گفت: "لئو، من واقعاً نمی‌دانم چه کار می‌کنم." سپس در مورد آن فکر کرد و گفت: "خب، من باید از هر تصویری که قبلاً با آن کار کرده‌ام استفاده کنم."

او اضافه می کند که نمایش در مجموع دارای چهار نقاشی دیواری است. هر اینچ از آنها، از جمله نمایش در فضای باز دختری در پنجره (1964)، به طور کامل توسط تیم استودیوی داکورت نقاشی شده است، و کشش لمسی مهمی که کار لیختنشتاین را تعریف می کند، حفظ شده است.

در واقع، در سال 1968، هنگامی که رسانه های جمعی به سرعت در تلویزیون، چاپ و تبلیغات گسترش یافتند، لیختنشتاین قبلاً در مورد نقاط معروف بن دی خود در رابطه با داده ها صحبت می کرد. او مجذوب این بود که چگونه اطلاعات بصری را می‌توان به واحدهای مجزا تقسیم کرد، در فواصل مسافتی انتقال داد و در ذهن بیننده جمع‌آوری کرد، مجله ساینتیفیک آمریکا را مطالعه می‌کرد.

اونلی می‌گوید: «وقتی به این فکر می‌کنیم که او در زمان به کجا نگاه کرده است، به او فکر می‌کنیم که آنقدر به فرهنگ چاپ وابسته است. اما در سال 1968، او قبلاً در مورد نقاطش در رابطه با داده‌ها صحبت می‌کند. او در حال خواندن Scientific American است و علاقه‌مند است که چگونه نقطه‌هایش می‌توانند ایده‌های انتقال و داده‌ها را نشان دهند. بسیاری از آن‌ها.کاغذی شده بود.»

اونلی خاطرنشان می‌کند که بازدیدکنندگان جوان‌تری که امروز به ویتنی می‌آیند، بدون بحث‌های اواسط قرن پیرامون هنر تجاری در مقابل فرهنگ عالی وارد می‌شوند. «نسل‌های جوان‌تر بدون توشه‌ای که در گذشته در رابطه با تخصیص برای این کار آورده شده بود، به نمایش می‌آیند.

"به یاد دارم زمانی به هنرمند لوئیز لاولر گفتم که اکنون همه ما در لحظه ای زندگی می کنیم که منشأ و نویسندگی یک تصویر دیگر اهمیتی ندارد. امروز نزدیک شدن به فردی مانند لیختن اشتاین برای افرادی که عمیقاً علاقه مند هستند چگونه یک تصویر را می توان از منبع خود متن زدایی کرد و در فضای هنری مجدداً بافتنی کرد، چه معنایی دارد؟ عنوان جدید ما به نظر می رسد جوان، تازه و باورنکردنی است."

داکورت کار لیختن اشتاین را به عنوان راهنمای بقای حیاتی برای هنرمندان معاصری می‌بیند که غرق در سیل بی‌پایان رسانه‌های دیجیتال هستند. درست زمانی که او این آثار را در دهه 1960 می ساخت، جهان آنطور که او می دانست پر از تصاویر، محصولات و اشیاء بود. هنرمندان پاپ سعی داشتند بفهمند که چگونه برای آنها تبلیغ می شود و چگونه به نظر می رسد.

اگر اکنون از هر هنرمند جوانی بپرسید که معضل او چیست، مشکل این است که چیزهای زیادی وجود دارد. تصاویر بسیار زیادی در جهان وجود دارد که باید با آن‌ها مبارزه کرد. چگونه به طور معناداری شرکت می کنید؟ نظر شما از همه این چیزها چیست؟ روی همان معمای تصاویر را تکرار می کند. او به جوانان نشان می دهد که شما در واقع می توانید آن تصاویری را بگیرید که هر روز شما را شستشو می دهند و چیزی معنادار می کننداز بین آنها.»

در پاسخ به سوالی درباره اینکه لیختن اشتاین - که در سال 1997 درگذشت، درست زمانی که اینترنت در حال ورود به فرهنگ اصلی بود - چگونه به دنیای امروزی تلفن های هوشمند، رسانه های اجتماعی و هوش مصنوعی واکنش نشان می دهد، متصدیان تصویری ظریف از هنرمندی ارائه می دهند که همیشه شیفته پیشرفت تکنولوژی بوده است.

داکورت پیشنهاد می‌کند: «من احساس می‌کنم که او همتای دیوید هاکنی بود و این شیوه‌ی بودن را در روحیه‌ی پیشرفت تجسم می‌داد. او در فضایی شیرین درست بین هنجار شدن تلویزیون و ظهور اینترنت وجود داشت. او فناوری را پذیرفت اما هرگز موضوعی را که با آن سروکار داشت دوست نداشت. کتاب های مصور عشق واقعی او نبودند. او جذب چیزهایی شد که از آنها فاصله داشت.»

اونلی موافق است و به آزمایش‌های لیختن‌اشتاین در دهه 1990 با هولوگرام‌های مجازی، طراحی اولیه رایانه و تأثیرات گروه آوانگارد ممفیس ایتالیا اشاره می‌کند. نمی‌دانم که آیا او دوست دارد ما امروز کجا هستیم یا نه، اما لیختن اشتاین کاملاً به فرهنگ بصری آن لحظه پاسخ می‌دهد. وقتی برای شخصی که هرگز ندیده‌اید نمایش می‌سازید، امیدوارید لحظاتی وجود داشته باشد که از طنز کار او صحبت کند. من و الکس چیزی می‌خواستیم که فوق‌العاده ظریف و جدی باشد، در حالی که حس طنز مرده را حفظ کنیم.»

Roy Lichtenstein: Like New تا 10 مه 2027 در موزه ویتنی نیویورک به نمایش گذاشته می شود.